En el mundo del cine existen muchos géneros, los cuales nos provocarán ciertos sentimientos de acuerdo a lo que se busque ver, sin embargo pocos son los que general tal controversia como el cine de terror.

Los fanáticos de este género, generalmente son exigentes con las características de los filmes  que presentan dichas historias, mientras que los que no son muy entregados a dichas películas, simplemente esperan llevarse un pequeño susto a lo largo de la función.

Fue en julio de 2009, cuando una película que quiso aportar a este género, casi logra el cometido propuesto, sin embargo no alcanzó la meta anhelada por ciertos baches que presentó junto con su estreno.

La Huerfana es una película que versa sobre la familia Coleman y de cómo planean adoptar a una niña aparentemente rusa, sin embargo cuenta con una inteligencia que parece no corresponde a su edad, mostrando además un gran rechazo por su nueva madre, al contrario del amor y cariño que tiene por su nuevo padre.

El guión está bien trabajado, muestra una evolución clara de los personajes los cuales nos llevarán a la orilla del asiento dadas las situaciones presentes en la historia.

El reparto es atinado, sobretodo la actuación de Isabelle Fuhrman (Esther), muestra un personaje que puedes llegar a odiar y temer en la misma cinta.

La historia cuenta con ciertas exageraciones que no son del gusto de todos, pero ciertamente es un acierto para una tarde de películas bastante amena.

Una película que también puede ser recomendada para los principiantes en este género.

“Si me delatas, te mataré”- Esther

Director: Jaume Collet-Serra

¿Qué sucede cuando una exitosa oficinista comienza a sentirse atraída por un profesor de secundaria?, nada más que una aventura de romance que se quedará en la memoria de todos por mucho tiempo.

Drew Barrymore da vida a Lindsey, una mujer concentrada en su carrera y que muchos llamarían rígida o estricta en su modo vida, sin saber que su vida cambiaría tan drásticamente en el momento que Ben (Jimmy Fallon) entre en ella.

Sin embargo cuando todo camina color de rosa, uno se dará cuenta de que Ben tiene un oscuro secreto que podrá afectar de manera decisiva a su relación, es fanático de los Red Sox.

La historia es tomada de una película que originalmente se estrenó en 1997, con una temática parecida, sin embargo al darle los toques de modernidad, Amor en Juego de 2005, es una opción bastante divertida para amenizar la tarde.

Barrymore y Fallon muestran una gran química en pantalla, lo cual hace la historia bastante fluida y divertida, además de que las actuaciones son bastante convincentes para los papeles que se desarrollaron.

Muchos tienen la idea de que en el momento que Fallon aparece como protagónico las risas no pararan, pues con gusto puedo decir que están en lo correcto, ya que su habilidad tan notoria para hacer comedia sale a relucir de manera agradable.

Se nota una buena construcción de guión al momento que podemos ver como los personajes van avanzando y creciendo de acuerdo a las diferentes situaciones, además de que el protagonismo de Fallon y Barrymore no se ve afectado en un ningún momento de la película, lo cual hace que la audiencia esté todavía más atenta a estos cambios.

La producción, cabe mencionar, no tiene ningún problema, que probablemente es predecible por los protagonistas que tiene, así que es una película que tiene más aciertos en su género que puntos débiles.

Divertida de ver y bastante disfrutable para todo público, Amor en Juego es una opción que no podemos dejar pasar para ver.

"And he became one of God´s most 

pathetic creatures, a Red Sox Fan"- Al Walterman

Director: David Evans

A lo largo de la historia del cine han existido muchas obras que nos dejan con lecciones morales, sin embargo si cabe rescatar una de las que más han impactado mi existir, deberé mencionar Milagros Inesperados, una de las actuaciones más brillantes del difunto Michael Clark Dunkan (John Coffey), el cual interpreta a un reo sentenciado a muerte por un crimen que no cometió, sin embargo logra entrar en los corazones de los guardias, demostrando una inocencia pura dentro de su ser.

Esta película tiene un mensaje mucho más profundo del que puede verse de manera superficial, si muchas lo tienen, esta puede ser una de las más fuertes que he visto.

La milla verde, así llamado el pasillo de dicho color por el cual pasaban los reos antes de cumplir con su sentencia de muerte, puede ser la representación de algo que pocos en este mundo han podido entender pero muchos conocen su existir.

La milla puede ser una representación de la vida, vinculado así con el color tan característico de vida que es el verde, además de que al recorrerlo al final encontraremos el destino de todo ser mortal, el cual es abandonar este mundo, “pagando” al fin por los pecados que hemos cometido, con nuestros semejantes como testigos.

Caminando de frente en la milla se encuentran el lado izquierdo y derecho, en el lado derecho se encuentra encerrado el protagonista John Coffey (Dunkan), el cual tiene el don curativo y poderes sobrenaturales con los cuales salva vidas, pudiendo ser una representación nueva de un nuevo Mesías, además de ser interpretado por una persona de color, las cuales no eran muy bien aceptadas, por no decir violentadas en el entorno de la historia (Alabama, 1929); siendo una representación de las frases bíblicas de “la derecha del padre”.

Del lado izquierdo se encuentra William “Billy the Kid” Wharton (Sam Rockwell), un asesino psicótico, el cual es la representación del mal en esta maqueta fantástica de la realidad humana, es agresivo, ofensivo y malo de corazón, solo buscando la manera de causar problemas a los oficiales y compañeros de destino, quien después es asesinado por uno de los oficiales a cargo; Billy puede ser la representación de las cabras que van “a la izquierda del padre”.

Muchos podrán preguntar por que no hacer esta analogía viendo de frente la milla, sencillamente por que la vida avanza hacia delante, entonces si la muerte, o el final del camino se encuentran en la posición antes mencionada, creo que para que la metáfora tenga sentido se debe ver de esa manera.

Otro dato que puedo percibir bastante interesante, es el cuarto que se encuentra al fondo de la milla, el cual es una bodega en donde tienen guardadas muchas cosas, sin embargo después es de utilidad para encerrar a Percy Wetmore (Doug Hutchison), cumpliendo el plan de sacar a Coffey una noche.

El cuarto puede ser una representación de la mente humana, la cual puede ser almacén de una cantidad impresionante de recuerdos, así como una prisión en donde podemos aislarnos y perder el control de nosotros mismos.

Como conclusión es una película que de verdad le sobra contenido de interés, además de que la historia es impresionante, no podrás verla una sola vez.

Ampliamente recomendada en cualquier situación, es una película que termina alegrando el día.

Además, que quiero dar un reconocimiento especial a Doug Hutchison, el fue el primer actor que me introdujo a odiar de verdad a un personaje, vean la película y quizás me entiendan.

Un gran trabajo de Tom Hanks (Paul Edgecomb) y una verdadera pieza de colección.

“Cuando Dios me pregunte, ¿porqué sentencié a uno de los suyos?, 

no sabré que responder”- Paul Edgecomb

Director: Frank Darabont

Recorriendo los pasillos del cine, me adentré en la aventura de ver el nuevo lanzamiento animado y familiar de Intensa Mente, la cual tuvo una publicidad de lanzamiento bastante acertada, ya que hasta en los avances de Los Vengadores, La era de Ultron aparecieron estos simpáticos amigos.

La historia versa de la mente de Riley, una niña que va desarrollando las habilidades para tener una inteligencia emocional cada ves más avanzada, siendo su mente controlada por Alegría, Susto, Tristeza, Ira y Disgusto.

Su vida toma un giro en el momento que se mudan de Minnesota a San Francisco, dejando su antigua vida atrás y entrando en un conflicto que es bastante complejo para una niña de su edad, explicado de manera bastante dinámica y entretenida.

La película cuenta con chistes para adultos y niños, cuenta con una serie de elementos cómicos que la hace una comedia familiar bastante agradable.

La manera de mencionar que algunos habitantes de San Francisco parecen “osos” haciendo referencia a la manera de llamar o clasificar algunos miembros de la comunidad lésbico gay, puede ser un chiste poco perceptible, sin embargo no se menosprecia el ingenio.

Sin embargo en esta vida nada es perfecto, por lo tanto también pude ver ciertos aspectos en lo que el proyecto pudo haber tenido más atención, o simplemente haberlos eliminado y no hubiera ocurrido un hueco tan fuerte.

Para comenzar, el hecho de que en los avances se mostrará también una participación más fuerte de las emociones del padre y la madre de Riley, lo cual me hizo esperar esa participación más marcada a lo largo de la historia, triste fue el resultado de que su interacción fue breve y un poco irrelevante.

Otro de los aspectos que brincó mucho en mi atención, a lo que debo justificar de que soy de la generación de los 90, esto es que no crecí con películas animadas explícitas, tal vez me vuelvo anticuado o simplemente amargado, pero no creo que lo siguiente a lo que haré mención deba pasar de manera tan inadvertida.

Riley tiene un mal día en su escuela, a lo que esto la mente le crea una pesadilla, dejando a temor de guardia para ver lo que sucederá, siendo después que el subconsciente le hace soñar que está en el salón de clase, se le comienzan a caer los dientes y seguidamente sus compañeros se dan cuenta de que no lleva puestos pantalones, la cámara logra tomar sus piernas casi llegando a la cintura, en donde ella se cubre de las miradas.

La razón por la cual hago tanto hincapié en esta escena, es sencillamente por que no creo que sea correcto que una película por muy animada que sea, que pueda jactarse de ser AA, en nuestro país al menos, deba portar este tipo de contenidos.

Muchos podrán estar en desacuerdo conmigo, sin embargo en el momento que a los niños se les expone a este tipo de ideas como algo normal, es cuando se comienza a ver como las generaciones de ahora tienen una mentalidad bastante más liberal que las que les preceden.

Estos comentarios son los que puedo aportar acerca de este largometraje animado, en conclusión me pareció agradable, la enseñanza que se da de cómo la tristeza es necesaria para lograr la felicidad, es bastante reflexiva para todas las edades.

Teniendo en cuenta que ninguna experiencia que tenemos carga un solo sentimiento y es la combinación de estos que las hace tan valiosas y tan memorables.

"Llévala a la luna por mí" - Bing Bong

Director: Pete Docter

Pocos filmes han despertado tanta expectativa en el público como lo hizo la cuarta entrega de la saga de Parque Jurásico, el cual generó polémica en el mundo cinematográfico desde 1993.

Ahora, con una serie de nuevos elementos tales como los tecnológicos  y diferentes herramientas en la narrativa de los guiones, Mundo Jurásico ha llegado para tratar de sorprender al público una vez más.

Triste es el ver que probablemente la historia se quedó corta para el objetivo que tenía, ya que muchas fallas en ella y pequeños detalles que hacen pensar que la idea no estuvo muy bien planeada desde un inicio hacen que el sabor que nos deja es insuficiente.

Teniendo en cuenta que la historia sucede 22 años en el futuro de Parque Jurásico, encontraron la manera de hilar las historias, no siendo tan complicado ya que la historia es lineal y ocurre en el mismo escenario, el problema que esto puede tener, es que tal vez la hilaron de más, ya que a lo largo de todo el filme no se deja de mencionar al tan querido señor Hammond y todavía se encuentran ciertas estructuras de Parque Jurásico a lo largo de la película, al grado de llegar a un punto en el que ya es demasiado, Mundo Jurásico debe contar su propia historia, sin necesariamente basarse en el éxito que tuvo su predecesora, el cual queda claro que no se repetirá.

Hay tres elementos que pudieron ser suficientes al momento de hilar dos historias:

1.     En la escena de la llegada del tren en donde Gray y Zach son acompañados por Zara, ella se encuentra leyendo un libro en donde Ian Malcolm aparece en la contraportada, esto nos da la idea del libro que el mismo Doctor escribió, “Dios creó a los Dinosaurios”, un detalle que muchos pueden pasar por alto.

2.     En la primera escena en el cuarto de control, Lowery, un operador del parque esta usando una playera de Parque Jurásico, la cual de acuerdo a lo que él menciona, es bastante cara en Ebay, ya que después de todo lo ocurrido casi toda la mercancía del parque anterior desapareció.

3.     Además de que el jefe del laboratorio es el mismo Dr. Henry Wu, el cual es el genetista del parque y lo vimos desde la primera entrega, el cual ahora es el responsable de la creación del Indominus Rex.

Esa es la lista de las conexiones que hubieran sido evidentes pero sutiles dejando que el espectador analizará un poco más la historia, sin embargo el resto de las conexiones y menciones ya pueden ser llamadas adornos.

Ahora, en cuanto a los personajes, vamos a desmembrar la historia un poco más ya que cada uno de ellos tiene algo que contarnos, que no forzosamente es para bien.

Primero vamos con el villano, ya que un excelente villano puede ser el ingrediente clave de una buena historia, lo cual no fue en este caso, ya que Vic Hoskins (Jefe de seguridad del parque), es un personaje bastante lineal, que como en toda historia bastante predecible, simplemente va en contra de las ideas del protagonista, siendo un egoísta y descarado patán y teniendo un final “merecido”, la verdad una historia poco vista en un villano y nada predecible (sic).

Después tenemos el otro lado de la moneda, Owen Grady, héroe de la historia, ex militar que tiene un estilo vaquero, pero es bastante sensible para poder entender la vida animal, amaestrador de Velocirraptors (claro como si fuera tan fácil, pero él puede por ser el protagonista) y rebelde que no quiere a la chica pero después terminan enamorados (esto no cuenta como spoiler, ya que en películas de este tipo sabes que eso sucede desde que se ve el poster).

Claro que sería de un héroe sin su heroína, que esta vez lleva de nombre Claire Dearing, oficinista exitosa que tiene un gran lugar en el parque, ordenada y nada espontánea, pareciera agua y aceite con Owen, sin embargo al final logran encontrar ese punto romántico y nada predecible en la historia (sic), además de tener poderes sobrenaturales, ya que toda la aventura, así fuera en fango, tierra, escombros o asfalto jamás se quitó los tacones y ni uno se le rompió.Aunado a eso, pudo superar en velocidad a un Tyranosaurio Rex, usando los mismos tacones mágicos, cuando se cree que el registro de velocidad de un Tyranosaurio es más elevado que del mismo Usain Bolt, esta mujer de verdad merecía el protagónico por tales logros. Esto nos hace darnos cuenta de que hay una delgada línea entre ficción y ridiculez.

Gray (frente) y Zach Mitchell (detrás)  son los jóvenes que nunca faltan en las entregas de estas películas, hermano mayor y menor son los que ahora enfrentarán la ira Jurásica, la cual es causada por lo mismo, imprudencia y egocentrismo  humano.

Y por último se analizará al personaje del que todos quieren saber, el Indominus Rex, parte Tyranosaurio Rex, Velociraptor, Carnotaurus, Giganotosaurus, Rana, Pez y por poco todo animal que se nos ocurra.

En pocas palabras el dueño del parque quería una nueva atracción y le encargó al Dr. Wu llevar esto acabo, sin embargo no fue suficiente hacer un dinosaurio más grande y un poco aterrador, literalmente le tuvieron que dar las mejores características de diversos depredadores, tales como la inteligencia y la capacidad de cambiar su color de piel.

En pocas palabras este dinosaurio es una prueba de cómo una creación puede tener el poder para eliminar al creador, lo cual puede ser un mensaje bastante profundo relacionado con la primera entrega.

(NO HABRÁ IMAGEN DISPONIBLE PARA NO GENERAR SPOILER)

Citando a Ian Malcolm:

“Dios crea al dinosaurio, Dios destruye al dinosaurio, Dios crea al hombre, El hombre destruye a Dios, El hombre crea al dinosaurio, El dinosaurio destruye al hombre”

Yo puedo dar dos interpretaciones en esto, la primera es que, de la misma manera que el hombre destruyó a Dios, el cual fue la creación misma de Dios, ahora la humanidad sufriría el mismo destino, ser destruido por su propia creación.

El segundo es simplemente el cumplimiento de la profecía caótica del Dr Malcolm, la cual no tan clara pero bastante lógica no ha sido mentira en ninguna de las películas.

Con muchos huecos y algunos topes en la historia Mundo Jurásico quedó a deber un poco a los fanáticos de la saga, los cuales esperaban un poco más que grandes efectos y dinosaurios peleando y comiendo gente.

Sin embargo puedo recomendarla para palomear un rato y apagar el cerebro un poco, por que sinceramente no le veo mayor acierto.

“Un mounstro es cuestión de perspectiva,

para un ave un gato es un mounstro,

el problema es que estamos

 acostumbrados a ser el gato”.- DR. Wu

Director: Colin Trevorrow

Dentro del cine violento hay muchos exponentes que han mostrado su visión del mundo e interpretación de la realidad, uno de los más reconocidos es el famoso Robert Rodríguez, el cual tiene una selección de películas bastante amplias, además de trabajar repetidas veces con uno de los exponentes más fuertes de los cambios en la narrativa moderna, Quentin Tarantino.

Diciendo esto, ya se tendrá una idea de los resultados que este dueto nos puede ofrecer para no quedar insatisfechos, sin embargo si la imagen de su trabajo aún no es muy clara, para eso se ofrece el siguiente ejemplo a analizar, el cual ha sido uno de los trabajos más sonados de Rodríguez, sin dejar de ser uno de los más excéntricos.

“Del Crepúsculo al Amanecer” es una historia de la cual han surgido varios remakes e inclusive ya estará disponible una serie de televisión, siendo idea original y producción inicial del señor Rodríguez, la cual conoció la luz de la pantalla grande en 1997, con las actuaciones principales de Gorge Clooney y Quentin Tarantino.

La historia versa en los crímenes de los hermanos Gecko, Seth (Clooney) y Richie (Tarantino), los cuales son buscados por múltiples asesinatos y por su último crímen, el robo a un banco federal.

En su  escape  de la justicia llegan a un hotel de paso, en donde deciden secuestrar una casa rodante con una familia, un pastor con ideas impías llamado Jacob  y sus dos hijos  Kate y Scott.

La situación se complica en el momento que cruzan la frontera y llegan a un burdel para motociclistas y camioneros que está en servicio del crepúsculo al amanecer llamado Titty Twister, donde no solamente el ambiente es hostil, sino todo lo que sucede a continuación, ya que las bailarinas exóticas y los empleados de dicho lugar se transforman en vampiros para atacar a los protagonistas, si, vampiros chupa sangre y alérgicos al ajo.

Negar que al momento de ver este cambio se produce una mirada de extrañeza y un rápido análisis para ver si no se ha perdido algún elemento sería algo hipócrita, ya que si es un salto bastante repentino y fuerte.

Sin embargo puede ser que los mensajes que contiene esta obra son más profundos de lo que en realidad se puede ver, o tan solo como buena obra de arte se puede dar una de tantas interpretaciones al respecto.

Cualquiera que sea de esas dos opciones, tan solo se puede decir que la película es bastante destacada dentro de su género, ya que para la década de los 90 los efectos que se usaron son bastante convincentes y en algunos casos hilarantes, sobretodo en la creación de los monstruos, sin embargo pareciera el objetivo de dichos elementos.

Uno de los primeros elementos bastante peculiares es la personalidad del personaje de Tarantino, Richie Gecko cuenta con la madurez de un niño de 5 años además de tener características de ninfomanía extrema, ya que no es capaz de controlarse en momentos de tensión o al estar cerca de una mujer.

Este personaje puede ser una representación simbólica de cómo los hombres somos esclavos de nuestros deseos más íntimos, además de que la búsqueda de aprobación que tiene con su hermano Seth (Clooney) puede ser también una búsqueda que cada persona tiene para sentirse aceptada en cualquier cosa que haga, esto es, siempre buscamos la aprobación de alguien más.

El personaje de Seth puede ser a lo que toda persona aspira, alguien seguro de si mismo, con habilidades de liderazgo y sin miedo a las consecuencias, sin embargo él también tiene sentimientos, su amor por su hermano puede llegar a ser hasta su talón de Aquiles; mostrando también las marcas de un pasado doloroso, lo cual lo pudo marcar al grado del tatuaje que porta en el lado izquierdo del cuerpo, además de ser un detalle bastante interesante para un hombre de crimen.

El personaje por lo visto tiende a sufrir, ya que en el momento en el que Richie es muerto, Seth se ve dolido por la pérdida, sin embargo no es a un nivel extremo su dolor, como se pudiera pensar de esto.

Las bailarinas exóticas transformadas en vampiros pueden dar una representación de los pecados, errores humanos que pueden llegar a destruir la vida del hombre, siendo al inicio un llamado bastante llamativo que puede terminar en una tragedia, como lo fue en el caso de Richie, al aceptar el baile de Santanico Pandemonium (Salma Hayek), quedó atrapado enteramente y fue el finado por dicho pecado o personaje, que para rematar con el simbolismo sale al escenario con una serpiente enredada al cuello.

Esto nos hace voltear a ver a Jacob Fuller el impío pastor que abandonó su fe por la muerte de su esposa, el cual solo quiere cuidar a sus hijos de los maleantes, aunque de una manera un poco inesperada termina siendo un compañero solidario en esta aventura, preocupándose por Seth y jugando su papel de pastor, sin embargo cuando los pecados están más expuestos en la historia su fe es recobrada siendo sus últimos momentos de vida.

Este largometraje es para los gustosos de la cultura kitsch y el humor negro de Tarantino y Rodríguez, sin embargo un verdadero acierto el que se tomó en la realización de esta historia, ya que si se están lanzando tantas versiones es por algo.

Se recomienda con una buena botana y unas cervezas.

"You do believe, right Seth?"- Richie Gecko

Director: Robert Rodríguez 

Dentro de uno de los géneros más característicos del cine, tal cual es el dogma, La Tacha Azul, es uno de los títulos que me más me impresionado por la estructura y el guión que presenta este largometraje.

La historia se centra en Katrina, una mujer danesa que está a punto de casarse con su prometido Jonnas, el cual se ve amenazado en el momento que Thompsen aparece en el recuadro, un ex amante de Katrina y de su hermana mayor Mette, la cual está internada en un hospital psiquiátrico debido a que no se encuentra mentalmente sana y es, como lo describen los mismos doctores, “un peligro para ella misma”.

Thompsen comienza ayudando a Katrina con los preparativos de su boda, solo para descubrir ambos seguidamente que están enamorados el uno del otro, volviéndose al desenlace de una historia de amor convencional, sin embargo con tintes que la liberan de dicha monotonía.

Para comenzar el personaje de Mette cuenta con tres músicos que aparecen en el momento que ella comienza a escuchar música, lo cual es una representación en primera instancia de su locura, sin embargo al analizar un poco más a profundidad la esencia de su locura, puede ser que haya sido derivada de algún sentimiento fuerte, tal como el amor, siendo una teoría sujeta a que siempre que su ánimo se modifica con base en este sentimiento,  la escena siguiente de dicho personaje involucra a sus amigos “imaginarios”.

Por parte de Katrina, se puede pensar que es el personaje que siempre ha querido una vida en los suburbios con un esposo, hijos y tal vez un jardín con un perro, sin embargo la aparición del segundo ingrediente de dicha película como lo es Thompsen es lo que demuestra al personaje de Katrina que ella puede esperar más de la vida.

La película tiene una división fuerte, la cual es perceptible en el momento que consumen las pastillas azules (Thompsen y Katrina) que les vende el dealer de la tienda de trajes.

Lo cual nos lleva a pensar diversas teorías acerca del final, siendo la primera que en el momento que Thompsen y Katrina escapan y pueden escuchar a uno de los cantantes que tienen bastante interacción con Mette, pudiendo ser el primer paso de la pastilla en sus efectos secundarios.

Otra de las teorías para analizar, puede ser que la pastilla tan solo sea un símbolo, la cual presenta la idea de que la verdadera droga fue el amor, por lo tanto uno enloquece con el amor, explicando también que tal vez el amor que Mette sintió alguna vez por Thompsen fue lo que la afectó de tal manera, además de que el azul juega un papel muy importante en la película.

Además de que no se descarta la posibilidad de que lo azul es la representación del amor en dicho filme, la pastilla azul fue lo que hizo que Katrina y Thompsen reaccionaran ante sus sentimientos, la llave azul hizo que Mette pudiera obtener la libertad que tanto quería y el celular azul de Thompsen fue el objeto que al final logró la conexión de ambos.

La representación del amor en esta película puede ser también reflejado en el momento que a Thompsen se le diagnostica VIH, aún sabiendo esto, Katrina decide estar con él, ya que bien es sabido que los verdaderos amores lastiman e inclusive pueden matar, además de que con la misma ideología, Thompsen tendrá una vida corta, como el amor perfecto, efímero y  pasajero.

Sin dejar de lado la otra cara de la moneda dejando ver como se puede sufrir por amor, tal como lo hizo Jonnas en el momento que Katrina decidió dar el: "No" al momento de estar en el altar con su prometido y estar en el momento de dar los votos maritales. 

En lo particular me agradó bastante, tiene elementos bastante divertidos y como todo filme de la corriente dogma cuenta con espontaneidad, no demasiado pensamiento en su realización, solamente dejar fluir lo mejor de las ideas y de los sentimientos.

Recomendada para verla en pareja y con una botana ligera.

“No es mi novia, no es mi tipo”- Thompsen

Directora: Natasha Arthy

Al ser un verdadero cinéfilo, estamos consientes de la existencia de diferentes géneros cinematográficos dentro de los cuales hay unos que no son vistos a buenos ojos en la sociedad, tales como la pornografía, el gore y el género snuff, que no son sencillamente agradables a la vista, solo para los gustosos de esas corrientes. 

Este tipo de películas no son para el uso común o para un domingo con la familia, lo cual es explicado por Angela, personaje protagónico de este largometraje, quien tiene el objetivo de hacer su tesis de la carrera acerca de la violencia en el cine y las imágenes. 

Angela encuentra ayuda en Chema, un estudiante poco amable que tiene una gran afición por el cine violento, sin embargo Angela encuentra un camino lleno de peligros en el momento que su asesor trata de ayudarla buscando contenido en la videoteca de la universidad, solo para descubrir que dentro de la facultad existe una red de creadores de cine snuff, que a diferencia del gore, todo es real. 

La película sencillamente es excelente, te atrapa en los primeros minutos y no te deja ir hasta el momento que se acaba, los diálogos no son pesados y las situaciones están muy bien pensadas, recomendada para los amantes del cine de misterio, el suspenso es bastante latente en este largometraje. 

Sencillamente es una de las mejores películas que he visto, además de que, como dato curioso, fue la tesis de titulación del director Alejandro Aménabar, quien después trabajó con Nicole Kidman para Los Otros. 

Una película que nos hará estar a la orilla del asiento y no nos dejará perdernos ningún minuto de la historia. 

Recomendada para verla con o sin botana, tan solo veánla, no se arrepentirán de esta decisión. 

"Me llamo Angela

me van a matar."- Angela

Director: Alejandro Aménabar

Uno de los clásicos literarios de Michael Bond traido a la pantalla grande, nos habla de la historia de Paddington, un oso peruáno cuyo objetivo y sueño era conocer la tierra de Inglaterra, lo cual le es concedido cuando su hogar es destruido por un terremoto, su tía arriesgando su vida lo pone en un barco con destino a dicha tierra en donde es hospedado por la familia Brown, teniendo una vida feliz hasta que una taxidermista le pone el ojo para su siguiente trabajo. 

Esta película tiene una estructura comíca bastante planeada, lo cual hace que sea un trabajo ligero para chicos y grandes, la película contiene humor para todas las edades y muestra un lado social bastante amigable y que si no se tiene cuidado se puede perder por completo en la sociedad actual. 

Paddington como personaje ha resultado ser toda una celebridad en Inglaterra, a modo de que han existido y existen esculturas levantadas en su honor, siendo un personaje bastante conocido en dicho país. 

Dentro de los elementos técnicos, pocas películas han demostrado tal dinamismo como el de este largometraje, siendo que tuvieron que basasrse en la animación para poder crear al personaje principal, un concepto que ultimamente se ha vuelto bastante viral, pero muy pocos han logrado el éxito técnico que logró esta entrega. 

Bastante recomendable para ver en familia, lo cual les garantizará una muy buena tarde, noche o mañana, además de que todo tipo de botana es recomendable con este tipo de entregas tan agradables, puede ser unas gomitas o simplemente las tradicionales palomitas y refresco. 

"We have a guest today, a Bear.....yes a Bear"- Mr. Brown

Director: Paul King

Ahora nos vamos con el comentario de una película más de la temática de la persecusión judía durante la Segunda Guerra Mundial, la cual no es "otra" más del montón, ya que muestra una perspectiva nueva ante esa visión de la historia mundial. 

Jonathan es un coleccionista bastante peculiar, ya que no colecciona timbres postales, llaveros o encendedores, él colecciona elementos de su familia, de cada uno de ellos, tales como dientes postisos, retenedores dentales, cabello y de hecho cualquier objeto que le haya pertenecido a algún miembro de su familia. 

Sin embargo no será hasta que este vegetariano amigo se embarque en una aventura, cuando conocerá el verdadero valor de los objetos, ya que seguirá el rastro de su abuelo el cual fue fugitivo judío en Ucrania, para llegar a los Estados Unidos de América con ayuda de Agustine, una mujer del pueblo de Trachimbrod, a quien también busca con la finalidad de agradecerle por ayudar a su abuelo; logrando esta travesía con Alex y su abuelo, dos guías turísticos dueños de una perra agresiva conocida como Sammy Davis JR. JR.

La película tiene una cantidad de mensajes bastante interesantes, como el hecho de que el abuelo de Alex pretenda ser ciego cuando no lo es, nos hace creer en una sociedad que trata de ocultar la vista ante las atrocidades que se han cometido a lo largo de la historia. 

Jonathan tiene una fobia con los perros, sin embargo logra aceptar a Sammy Davis, esto puede decirnos como a veces los miedos más grandes que tenemos, son los que terminamos aceptando o a los que tenemos que temerles menos. 

Además de que debemos entender que la vida en la que estamos, es precisamente por efectos de acciones del pasado que se remontan más allá de nosotros mismos, e inclusive de nuestros padres, por lo tanto se entiende que todo está iluminado por la luz del pasado. 

"-Im a vegetarian- 

-A what?-

-I don´t eat meat-

-What´s wrong with you?-" 

Jonathan and Alex

Director: Liev Schreiber